I.E.N.B.A
Seminario de las Estéticas 2008-07-07
Seminario de las Estéticas 2008-07-07
Trabajo realizado por: Ivonne Olivar Farias
___________________________________________________________________Expresionistas de Der Blaue Reiter (El jinete azul)
El grupo Der Blaue Reiter fue formado en Munich en 1911. Recibió una importante aportación internacional, sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que entre sus filas figuraban numerosos extranjeros. Entre 1911 y 1914 pertenecieron a él Franz Marc y Vasily Kandinsky, y otros artistas tales como Paul Klee, Alexei Yavlensky, Marianne Werefkin, August Macke y Gabriele Münter.
A diferencia de la ruda forma de pintar de los artistas de Die Brücke, el arte de Der Blaue Reiter es más exquisito, subjetivo y espiritual. Aunque la formulación artística de ambos grupos era muy diferente, los unía la convicción de mirar más allá de lo superficial. El arte ya no debía "reproducir lo visible, sino hacer visible" tal y como lo expresó Paul Klee.
Los pintores de Der Blaue Reiter, sobre todo Marc y Kandinsky, se interesaron principalmente por la transformación pictórica de los sentimientos. A los artistas de El Jinete Azul les importaba más el cómo de la representación que el qué. Incluso en aquellos cuadros en los que todavía se podían apreciar vagas reminiscencias de las cosas mundanas, el efecto no parte del objeto, sino de la composición. Lo más importante eran las formas y los colores. Los artistas concedían a sus cuadros ritmo y melodía mediante los tensos contrastes entre las líneas fuertes y suaves, formas abiertas y cerradas y colores metálicos y aterciopelados.
Los artistas de Der Blaue Reiter se imaginaban la transmisión de los sentimientos como una cadena entre el artista y el espectador, al principio de la cual se encontraba "la sensibilización del alma del artista"; emotividad a la cual el artista da forma en su obra. A su vez, el cuadro causa en quien lo observa determinados sentimientos, con lo cual se convierte en el agente responsable de "la sensibilización del alma del espectador". Entonces, la asociación del significado y la concepción del sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador.
Marc, Franz (08/02/1880 Munich - 04/03/1916 Verdún)Cofundador de Der Blaue Reiter, que colocó el animal como símbolo de la unidad cósmica en el centro de su obra cristalina y luminosa. Sus caballos azules, que fueron objeto de condenación por Hitler, se han hecho famosos en todo el mundo.
Kandinsky, Vasily "Composición IV" ,1911
(04/12/1866 Moscú - 13/12/1944 Neuilly-sur-Seine) Expresionista importante, líder del grupo Der Blaue Reiter y teórico del arte que se convirtió en un pionero decisivo de la pintura abstracta.
Klee, Paul "La casa roja”, 1913
(18/12/1879 Münchebuchsee/Berna - 29/06/1940 Locarno)Artista que, partiendo de cuadros figurativos, encontró un idioma pictórico compuesto de señales abstractas y a menudo graciosas e infantiles.
Macke, August "Dama con chaqueta verde”, 1913
(03/01/1887 Meschede - 26/09/1914 Perthes-les-Hurles)Artista de Der Blaue Reiter, creó composiciones fraccionadas en superficies cromáticas.
Münter, Gabrielle "Viento y clima", 1917
(19/02/1877 Berlín - 19/05/1962 Murnau)Miembro de Der Blaue Reiter. Pintora de cuadros luminosos cuyas superficies cromáticas están contorneadas por líneas negras.
Vasily Kandinsky
1866-1944
Ruso de nacimiento, con una vastísima y diversificada formación cultural en leyes, economía, antropología, música y ciencias físicas, en 1986, tras rechazar un puesto como profesor de Derecho en la Universidad, se traslado a Munich con la intención de convertirse en pintor, un deseo que anhelado desde su infancia, Se materializo tras visitar la exposición que sobre los impresionistas franceses, se mostró en Moscú en 1896.
En 1901 Kandinsky participó activamente en la creación del club de artistas Phalanx (Falange) de Munich, un grupo surgido con el objetivo de promocionar a los artistas jóvenes, organizar exposiciones y mostrar el rechazo hacia el academicismo de la Secesión. A él se debió el cartel de la primera muestra organizada ese mismo año por el grupo, una xilografía, de carácter eminentemente decorativo, reflejo del leguaje que definió su producción temprana, claramente influida por el arte popular ruso y el Jugendstil en pleno apogeo en aquel momento.
A través de las exposiciones organizadas por el grupo Phalanx, un total de diez hasta 1904, pudieron conocerse las creaciones de los postimpresionistas, cuya influencia se haría manifiesta en la obra de Kandinsky encaminada al uso del color puro.
La obra desarrollada por Kandinsky durante estos primeros años estaba aún lejos de lo que sería su estilo futuro. Por aquel entonces se movía entre los referentes del realismo, el impresionismo y la influencia del Jugendstil, influencias claramente apreciables en obras tempranas como La cantante o La esclusa de 1902, un paisaje de claro eco impresionista concebido a partir de grandes y empastadas manchas de color, aunque de tonos más brillantes e intensos y pinceladas más amplias que las definitorias del Impresionismo.
En 1902 Kandinsky abrió una escuela de dibujo y pintura en Munich, la denominada Phalanxschule. En 1903 emprendió un viaje por Italia y Túnez acompañado por su alumna y luego amante Gabriele Münter. La experiencia tunecina se dejaría ver en algunas obras futuras como Improvisación VI, de 1909, con el subtítulo africana, caracterizada por el dominio cromático, experimentalismo que le ocupó durante esa etapa de su carrera.
En 1904, ya consagrado como un pintor de éxito, viajó a París para exponer en el Salón d´Automne y posteriormente lo haría en diferentes ciudades rusas, San Petersburgo, Moscú, Cracovia, Varsovia y en Roma, Hamburgo y en la Secesión de Berlín. En esa época comenzó a interesarse por la xilografía, técnica de gran tradición en Alemania desde la Edad Media, que le permitió reflexionar sobre el empleo del blanco y el negro, así como sobre el dibujo.
En algunas obras de esta primera etapa como Der Blaue Reiter, 1903, Kandinsky mostró su alejamiento del Impresionismo y la clara huella del simbolismo tanto en temática como en el uso de los colores, aunque lejos de la pincelada calculada de los simbolistas, se mostró libre y espontáneo en la factura.
En 1906, durante su estancia en Sèvres con Gabriela Münter, volvió de nuevo a interesarse por el color, tras contemplar las poderosas creaciones colorís ticas de Gauguin, Matisse, Picasso, Rouault y Rousseau y entrar en contacto con los Fauves.
Tras regresar a Alemania se estableció junto a Münter en Murnau una pequeña ciudad en los Alpes, donde se empleó en la temática de paisaje. Calle de Mornau e Iglesia de Froschhausen realizadas ambas en 1908 son reflejo de su producción en esa época, caracterizada por el empleo vivo e intenso del color arbitrario como medio de expresión, en la línea de los fauvistas.
Fue durante esa etapa, donde comenzó a reflexionar sobre uno de los asuntos que le ocuparían durante toda su vida, la creación como forma de arte total, reflejo de las emociones más íntimas y las relaciones entre color y música resultado de su amistad con Arnold Schönberg, creador de la música dodecafónica, sistema atonal en que se emplean indistintamente los doce intervalos cromáticos en que se divide la escala, iniciando sus especulaciones sobre la sinestesia entre la música y la pintura, y en este sentido el camino hacia la abstracción.
En 1909 abandonó la Secesión de Munich, pasando a liderar la Nueva Asociación de Artistas de Munich, compuesta por un variado grupo de artistas, alejados estilísticamente aunque unidos bajo el propósito de luchar contra el arte oficial y conservador.
Ese acontecimiento supuso el inicio de la evolución del artista hacia el abandono de la figuración. El camino hacia la abstracción inaugurado por Kandinsky fue un proceso evolutivo claramente apreciable en sus composiciones con temática de Jinetes. Su obra Improvisación nº 3, de 1909, dedicada a ese tema, se mostraba bastante alejada con respecto a Der Blaue Reiter de 1903, recreación del mismo asunto. El color, la línea, el plano y la pincelada habían sufrido una notable evolución hacia la disolución de lo figurativo. La escena aparece disuelta en las manchas de color marcando el momento crítico de la evolución del pintor, a punto de romper con la figuración.
Composición nº 2, de nuevo dedicada al tema del jinete, participó en la segunda exposición organizada por la Nueva Asociación de Artistas celebrada en 1910, fecha de realización de la obra. En esta ocasión Kandinsky vuelve a mostrar su predilección por el color que domina completamente la escena que, aunque aún conexionada con el mundo de las apariencias, marca el camino preciso hacia la pintura no-objetiva que comenzó a desarrollar a partir de entonces.
Improvisación VII de 1910 muestra igualmente el desinterés de Kandinsky por la representación, la disposición del color se realiza sin apenas delimitación, disolviendo por completo el espacio del cuadro, hasta el punto de transformarlo en una especie de espiral tendente hacia el vértice superior de la obra. Sus composiciones se van a caracterizar, a partir de entonces, por la falta de orden y jerarquía, donde apenas es posible identificar los vestigios figurativos, como puede apreciarse en Improvisación XI de 1910 e Improvisación XVIII de 1911 Su primera obra deliberadamente abstracta fue una acuarela pintada en 1910.
.
Llegado a ese punto, Kandinsky se empeñó en la producción de una creación entendida como respuesta directa de las emociones y sentimientos personales, completamente desligada de la apariencia real, sino concebidas como expresión última y verdadera de la esencia interior, renunciando a la figuración como único camino para llegar a una pintura pura, a una obra de arte total.
Como resultado de sus reflexiones teóricas, que tendrían su reflejo en su obra De lo espiritual en el arte, publicado en 1912, Kandinsky distinguió tres categorías diferentes en sus creaciones: Las Impresiones, concebidas como resultado o impresión directa de la naturaleza.
Improvisaciones, una expresión, en gran parte inconsciente espontánea de naturaleza espiritual y las Composiciones: las que surgen de una naturaleza exterior.
Las llamadas “composiciones” fueron la culminación de sus esfuerzos por crear una “pintura pura” cuyo poder emocional seria equivalente al de una composición musical.
Su idea esencial tenia en común con el arte primitivo la expresividad inherente con su yo interior, cuya manifestación se da como la creación de formas que permiten dar cuenta de la significación de un vivir. De esta forma consideraba que el hombre expresa su vida en formas y que cada forma artística es la expresión de su vida interior. El exterior de su forma artística es su interior
“El arte que es proclive a evolucionar, tiene su fundamento en la época espiritual que le pertenece, pero no es únicamente espejo y eco de ella, sino que conlleva una fuerza profética vivificante que actúa en profundidad.
La vida del espíritu donde también habita el arte y de la que es el arte una de sus principales causas, es un movimiento complejo pero pautado, esquematizable en términos sencillos que conduce hacia delante y hacia arriba
La pintura como arte puro la exploración del mundo interior a lo espiritual.
Solo un lenguaje creativo abstracto liberado de lo figurativo y abarcador de todos los géneros artísticos puede dejar resurgir la unidad espiritual lesionada por el materialismo”
Influencia de la teosofía.
Fue una de las ciencias ocultas que contribuyo a la formación de las ideas de kandinsky y que actuaron como catalizador en la creación de lo inconcreto:
La exploración del mundo interior al espiritual.
Solo un lenguaje creativo abstracto liberado de lo figurativo y abarcador de todos los géneros artísticos puede dejar resurgir la unidad espiritual lesionada del pensamiento materialista y positivista.Ese interior representa la esencia verdadera del hombre según la teosofía.
Rudolf Steiner. (1861-1925) medico filósofo y arquitecto austriaco, coeditor de las obras completas de Goethe.
Fundador de la escuela antroposofica luego de su separación de la sociedad teosófica de Madame Blavatsky.
“La antroposofía es una cosmovisión que permite descubrir las relaciones entre la naturaleza, el hombre y el cosmos.
“la pintura es el arte que por una necesidad del alma humana recrea la naturaleza la naturaleza exterior o el mundo interior del hombre a través de imágenes bidimensionales de color; hechas generalmente con la mano, pinceles lápices y con diferentes materiales y técnicas Actúa por un lado, desde lo material-físico, por el otro desde lo anímico espiritual, ideas sentimientos cualidades.
Kandinsky considera que todo lo descrito como “cuadro”, como “luminoso”es al mismo tiempo sonoro. A cada color, a cada percepción de la luz le corresponde un tono espiritual, una armonia, una melodía.
Teoría de la forma y el color
Para Kandinsky el color esta siempre ligado a la forma e incluso a la figura La teoría de los colores y las formas presenta interés precisamente por las perspectivas de síntesis. Los conceptos centrales de la elaboración de estas relaciones son los de “temperatura “, “movimiento,” y “armonia”
. La teoría de las formas de Kandinsky abarca el estudio de las unidades de imagen elementales, punto y línea, y de las tres formas básicas que surgen de estos elementos: círculo, triángulo y cuadrado. Asignándoles un color: azul el circulo, amarillo el triangulo y rojo el cuadrado
Los colores según Goethe pueden definirse como “actos y sufrimientos de la luz en su lucha con la oscuridad”
El color es justamente el ser básico de la pintura, que une lo físico con lo espiritual; es el ámbito de donde surgen las formas, los movimientos, los ritmos, la cualidad y la armonía del cuadro.Por ello es imprescindible el estudio de la vivencia objetiva del color y su esencia para realizar una pintura.
El sonido ingresa por vía directa al espíritu. Rápidamente encuentras en una resonancia porque el hombre contiene la música en si mismo (Goethe)
Todos saben que el amarillo, el naranja y el rojo, suscitan ideas de felicidad y de riqueza (Delacroix)
También en su libro “ sobre lo espiritual en el arte” habla de los “problemas” sinestesicos ( paralelismo entre las percepciones ópticas y acústicas), se trataba en realidad de la respuesta simultanea de estos dos sentidos, en un mismo estimulo.
El arte sinestesico que Kandinsky propone como forma de expresión y establecimiento de formas, se basaba en la idea de un arte integral e integrado, dentro del cual estuvieran a punto de caer las murallas que dividen las artes por genero en cooperación de música, pintura y danza.
El color el punto y la línea serán vistos como elementos puros y eternos que transmiten la esencia del movimiento, la musicalidad y la armonia que parte de un principio de necesidad interna (2)
Color y forma son el aspecto externo de un contenido interior y la armonia de los colores o las formas deben descansar sobre el principio del contacto adecuado del alma humana (vibración espiritual)
Dicho principio se forma a través de tres necesidades místicas.
Cada artista debe expresar lo que es propio del, (elemento de la personalidad)
De la época en que vive, (elemento de estilo)
Como servidor del arte, lo que es propio del arte, del arte en general
(Elemento de lo artístico puro y eterno) concebido como objetivo.
“La búsqueda de un lenguaje visual que se establezca como gramática universal de la forma y el color”
Kandinsky propone en la Bauhaus establecer una gramática universal para la forma (pictórica) como lenguaje universal que permita la creación
Cuando comenzó la primera guerra mundial regreso a Rusia, pero con la revolución bolchevique regreso a Berlín.
Luego se fue a Weimar (Alemania) donde dio clase en la Bauhaus
Allí se desempeño como profesor del taller de pintura mural, durante 11 años y también desarrollo un curso sobre el diseño básico que dio conjuntamente con Paul Klee
1926 publica su segundo libro “punto y línea sobre el plano” donde su pensamiento sintético entre la teoría y la practica se consolida
1933 el gobierno nazi clausuro Bauhaus, se traslado a Paris, obtuvo la nacionalidad francesa.
La actividad de sus últimos años fue grande: cuadros, dibujos y acuarelas.
Fallece el 13 de diciembre de 1944 a los 78 años de edad.
Conclusión:
El arte puede liberar al hombre de su confusión devolviéndole lo que ha perdido: este fue el mensaje de Kandinsky, fundador de la pintura abstracta.
No se trata de representar el mundo de los objetos, sino nuestra vida interior.
La pintura abstracta abre paradójicamente el camino hacia una cultura verdaderamente popular y confluye con el arte sagrado
“Lo que a fin de cuentas, los mas elevados espíritus han pedido al arte es un conocimiento, un conocimiento verdadero, “metafísico”, susceptible de ir mas allá de la apariencia exterior de los fenómenos para entregarnos su esencia intima. ¿Como la pintura realiza y puede realizar esta revelación ultima? No dándonos a ver, no representándonos esa esencia ultima de las cosas, sino mas bien identificándonos con ella en el acto iniciativo del arte”. (Michel Henry)
Deepak Chopra (entrevista en Buenos Aires Argentina 2008) .El arte en todas sus expresiones, teatro cine, televisión (Como medios de difusión masiva) puede cambiar a la humanidad, crear una conciencia colectiva mostrando nuestra realidad objetiva. No la historia que queremos ver. Lo que nos quita la creatividad es nuestra carga cultural, pero el hombre es naturalmente bueno, solidario solo tenemos que unirnos hacia una conciencia colectiva universal en bien de la humanidad. La teoría de los colores tomada por Newton, Goethe Kandinsky, nos enviaría, según los colores estímulos subliminales que actuarían en nuestra conciencia. Podemos mejorar el mundo y aprovechar la ciencia para corregir los desastres ecológicos.
"En este sentido, creo que se puede decir que el arte imita a la naturaleza; por el carácter de vida que confiere a la obra de arte un trabajo creativo (...). Se necesita un gran amor, capaz de inspirar y sostener un esfuerzo continuo hacia la verdad, la generosidad y al mismo tiempo la renuncia profunda implícitas en toda obra de arte. Pero ¿acaso el amor no se halla en el origen de toda creación". Henri Matisse.
Nuestra psiquis dota al color de significado. El color es un símbolo de lo que sucede en nuestra alma. Los símbolos de lo que sucede en nuestra alma son formas verdaderas, por lo que los colores son formas verdaderas, ideas en un sentido platónico. Los colores intensifican, compensan y se contraponen a otras ideas, creando una amalgama de polaridades. Para contemplar los fenómenos de la naturaleza desde un punto de vista morfológico y descubrir a los colores como ideas capaces de transformar nuestro ánimo, no necesitamos máquinas muy complicadas, sino ser capaces de “ver ideas” como dirían los metafísicos.
Según Goethe, los colores se agrupan en dos tipos distintos: los colores positivos o activos que “causan una actitud animada, emprendedora, activa”. Estos colores son el amarillo, el naranja y el rojo amarillento.
Los colores negativos o pasivos “se adaptan a un humor intranquilo, maleable, apasionado, tierno y lleno de emoción. Estos colores son el azul, el azul rojizo, el rojo azulado.
En consecuencia, según Goethe el rojo posee una gran dignidad y seriedad en vista de que reúne en sí a todos los demás colores (según Newton el blanco es la suma de los colores).
Un paisaje claro, mirado a través de un cristal rojo, nos conmueve porque “la atmósfera se transforma y nos infunde un temor reverente que nos hace pensar en el día del Juicio Final”. El amarillo es “alegre y tiernamente activo”, al reforzarse con el rojo, se vuelve “más potente y magnífico”, y se adapta más que cualquier otro color a “dar el sentido del calor y la delicia”. El azul es “una encantadora nada”, pero si se mezcla con el rojo, dando azul rojizo, nos pone nerviosos, llena nuestro corazón de inquietud y nos empuja a la inactividad
Lo verdadero es idéntico a lo divino. Goethe
Bibliografía
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2. Crotogini Roberto Antroposofía Argentina Kier 2004
3. Corcho Gómez Inmaculada Los orígenes del arte del siglo XX
Documento de Internet E-excellence biblioteca virtual ISBN-84-9714-
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7. Goethe y la metafísica de los colores documento bajado de Internet el 8 de abril 2007
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12. Loperazosa Aparicio. Historia del arte.Expresionismo alemán ISBN 84-9714-058-3 Madrid www.liceus.com.ar
13. www.mipunto.com./arte y cultura El expresionismo se desconoce el autor
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15. Documento de Internet moxilla firefox 13/07/2008
16. Soriano Joan.Wassily Kandinsky Biografía blogspot.com2007 documento de Internet ingreso 13/07/2008
a. Kandinsky Wassily Sobre lo espiritual en el arte.
17. Wikipedia enciclopedia libre Secesión de Viena
1. Arte abstracto
En 1901 Kandinsky participó activamente en la creación del club de artistas Phalanx (Falange) de Munich, un grupo surgido con el objetivo de promocionar a los artistas jóvenes, organizar exposiciones y mostrar el rechazo hacia el academicismo de la Secesión. A él se debió el cartel de la primera muestra organizada ese mismo año por el grupo, una xilografía, de carácter eminentemente decorativo, reflejo del leguaje que definió su producción temprana, claramente influida por el arte popular ruso y el Jugendstil en pleno apogeo en aquel momento.
A través de las exposiciones organizadas por el grupo Phalanx, un total de diez hasta 1904, pudieron conocerse las creaciones de los postimpresionistas, cuya influencia se haría manifiesta en la obra de Kandinsky encaminada al uso del color puro.
La obra desarrollada por Kandinsky durante estos primeros años estaba aún lejos de lo que sería su estilo futuro. Por aquel entonces se movía entre los referentes del realismo, el impresionismo y la influencia del Jugendstil, influencias claramente apreciables en obras tempranas como La cantante o La esclusa de 1902, un paisaje de claro eco impresionista concebido a partir de grandes y empastadas manchas de color, aunque de tonos más brillantes e intensos y pinceladas más amplias que las definitorias del Impresionismo.
En 1902 Kandinsky abrió una escuela de dibujo y pintura en Munich, la denominada Phalanxschule. En 1903 emprendió un viaje por Italia y Túnez acompañado por su alumna y luego amante Gabriele Münter. La experiencia tunecina se dejaría ver en algunas obras futuras como Improvisación VI, de 1909, con el subtítulo africana, caracterizada por el dominio cromático, experimentalismo que le ocupó durante esa etapa de su carrera.
En 1904, ya consagrado como un pintor de éxito, viajó a París para exponer en el Salón d´Automne y posteriormente lo haría en diferentes ciudades rusas, San Petersburgo, Moscú, Cracovia, Varsovia y en Roma, Hamburgo y en la Secesión de Berlín. En esa época comenzó a interesarse por la xilografía, técnica de gran tradición en Alemania desde la Edad Media, que le permitió reflexionar sobre el empleo del blanco y el negro, así como sobre el dibujo.
En algunas obras de esta primera etapa como Der Blaue Reiter, 1903, Kandinsky mostró su alejamiento del Impresionismo y la clara huella del simbolismo tanto en temática como en el uso de los colores, aunque lejos de la pincelada calculada de los simbolistas, se mostró libre y espontáneo en la factura.
En 1906, durante su estancia en Sèvres con Gabriela Münter, volvió de nuevo a interesarse por el color, tras contemplar las poderosas creaciones colorís ticas de Gauguin, Matisse, Picasso, Rouault y Rousseau y entrar en contacto con los Fauves.
Tras regresar a Alemania se estableció junto a Münter en Murnau una pequeña ciudad en los Alpes, donde se empleó en la temática de paisaje. Calle de Mornau e Iglesia de Froschhausen realizadas ambas en 1908 son reflejo de su producción en esa época, caracterizada por el empleo vivo e intenso del color arbitrario como medio de expresión, en la línea de los fauvistas.
Fue durante esa etapa, donde comenzó a reflexionar sobre uno de los asuntos que le ocuparían durante toda su vida, la creación como forma de arte total, reflejo de las emociones más íntimas y las relaciones entre color y música resultado de su amistad con Arnold Schönberg, creador de la música dodecafónica, sistema atonal en que se emplean indistintamente los doce intervalos cromáticos en que se divide la escala, iniciando sus especulaciones sobre la sinestesia entre la música y la pintura, y en este sentido el camino hacia la abstracción.
En 1909 abandonó la Secesión de Munich, pasando a liderar la Nueva Asociación de Artistas de Munich, compuesta por un variado grupo de artistas, alejados estilísticamente aunque unidos bajo el propósito de luchar contra el arte oficial y conservador.
Ese acontecimiento supuso el inicio de la evolución del artista hacia el abandono de la figuración. El camino hacia la abstracción inaugurado por Kandinsky fue un proceso evolutivo claramente apreciable en sus composiciones con temática de Jinetes. Su obra Improvisación nº 3, de 1909, dedicada a ese tema, se mostraba bastante alejada con respecto a Der Blaue Reiter de 1903, recreación del mismo asunto. El color, la línea, el plano y la pincelada habían sufrido una notable evolución hacia la disolución de lo figurativo. La escena aparece disuelta en las manchas de color marcando el momento crítico de la evolución del pintor, a punto de romper con la figuración.
Composición nº 2, de nuevo dedicada al tema del jinete, participó en la segunda exposición organizada por la Nueva Asociación de Artistas celebrada en 1910, fecha de realización de la obra. En esta ocasión Kandinsky vuelve a mostrar su predilección por el color que domina completamente la escena que, aunque aún conexionada con el mundo de las apariencias, marca el camino preciso hacia la pintura no-objetiva que comenzó a desarrollar a partir de entonces.
Improvisación VII de 1910 muestra igualmente el desinterés de Kandinsky por la representación, la disposición del color se realiza sin apenas delimitación, disolviendo por completo el espacio del cuadro, hasta el punto de transformarlo en una especie de espiral tendente hacia el vértice superior de la obra. Sus composiciones se van a caracterizar, a partir de entonces, por la falta de orden y jerarquía, donde apenas es posible identificar los vestigios figurativos, como puede apreciarse en Improvisación XI de 1910 e Improvisación XVIII de 1911 Su primera obra deliberadamente abstracta fue una acuarela pintada en 1910.
.
Llegado a ese punto, Kandinsky se empeñó en la producción de una creación entendida como respuesta directa de las emociones y sentimientos personales, completamente desligada de la apariencia real, sino concebidas como expresión última y verdadera de la esencia interior, renunciando a la figuración como único camino para llegar a una pintura pura, a una obra de arte total.
Como resultado de sus reflexiones teóricas, que tendrían su reflejo en su obra De lo espiritual en el arte, publicado en 1912, Kandinsky distinguió tres categorías diferentes en sus creaciones: Las Impresiones, concebidas como resultado o impresión directa de la naturaleza.
Improvisaciones, una expresión, en gran parte inconsciente espontánea de naturaleza espiritual y las Composiciones: las que surgen de una naturaleza exterior.
Las llamadas “composiciones” fueron la culminación de sus esfuerzos por crear una “pintura pura” cuyo poder emocional seria equivalente al de una composición musical.
Su idea esencial tenia en común con el arte primitivo la expresividad inherente con su yo interior, cuya manifestación se da como la creación de formas que permiten dar cuenta de la significación de un vivir. De esta forma consideraba que el hombre expresa su vida en formas y que cada forma artística es la expresión de su vida interior. El exterior de su forma artística es su interior
“El arte que es proclive a evolucionar, tiene su fundamento en la época espiritual que le pertenece, pero no es únicamente espejo y eco de ella, sino que conlleva una fuerza profética vivificante que actúa en profundidad.
La vida del espíritu donde también habita el arte y de la que es el arte una de sus principales causas, es un movimiento complejo pero pautado, esquematizable en términos sencillos que conduce hacia delante y hacia arriba
La pintura como arte puro la exploración del mundo interior a lo espiritual.
Solo un lenguaje creativo abstracto liberado de lo figurativo y abarcador de todos los géneros artísticos puede dejar resurgir la unidad espiritual lesionada por el materialismo”
Influencia de la teosofía.
Fue una de las ciencias ocultas que contribuyo a la formación de las ideas de kandinsky y que actuaron como catalizador en la creación de lo inconcreto:
La exploración del mundo interior al espiritual.
Solo un lenguaje creativo abstracto liberado de lo figurativo y abarcador de todos los géneros artísticos puede dejar resurgir la unidad espiritual lesionada del pensamiento materialista y positivista.Ese interior representa la esencia verdadera del hombre según la teosofía.
Rudolf Steiner. (1861-1925) medico filósofo y arquitecto austriaco, coeditor de las obras completas de Goethe.
Fundador de la escuela antroposofica luego de su separación de la sociedad teosófica de Madame Blavatsky.
“La antroposofía es una cosmovisión que permite descubrir las relaciones entre la naturaleza, el hombre y el cosmos.
“la pintura es el arte que por una necesidad del alma humana recrea la naturaleza la naturaleza exterior o el mundo interior del hombre a través de imágenes bidimensionales de color; hechas generalmente con la mano, pinceles lápices y con diferentes materiales y técnicas Actúa por un lado, desde lo material-físico, por el otro desde lo anímico espiritual, ideas sentimientos cualidades.
Kandinsky considera que todo lo descrito como “cuadro”, como “luminoso”es al mismo tiempo sonoro. A cada color, a cada percepción de la luz le corresponde un tono espiritual, una armonia, una melodía.
Teoría de la forma y el color
Para Kandinsky el color esta siempre ligado a la forma e incluso a la figura La teoría de los colores y las formas presenta interés precisamente por las perspectivas de síntesis. Los conceptos centrales de la elaboración de estas relaciones son los de “temperatura “, “movimiento,” y “armonia”
. La teoría de las formas de Kandinsky abarca el estudio de las unidades de imagen elementales, punto y línea, y de las tres formas básicas que surgen de estos elementos: círculo, triángulo y cuadrado. Asignándoles un color: azul el circulo, amarillo el triangulo y rojo el cuadrado
Los colores según Goethe pueden definirse como “actos y sufrimientos de la luz en su lucha con la oscuridad”
El color es justamente el ser básico de la pintura, que une lo físico con lo espiritual; es el ámbito de donde surgen las formas, los movimientos, los ritmos, la cualidad y la armonía del cuadro.Por ello es imprescindible el estudio de la vivencia objetiva del color y su esencia para realizar una pintura.
El sonido ingresa por vía directa al espíritu. Rápidamente encuentras en una resonancia porque el hombre contiene la música en si mismo (Goethe)
Todos saben que el amarillo, el naranja y el rojo, suscitan ideas de felicidad y de riqueza (Delacroix)
También en su libro “ sobre lo espiritual en el arte” habla de los “problemas” sinestesicos ( paralelismo entre las percepciones ópticas y acústicas), se trataba en realidad de la respuesta simultanea de estos dos sentidos, en un mismo estimulo.
El arte sinestesico que Kandinsky propone como forma de expresión y establecimiento de formas, se basaba en la idea de un arte integral e integrado, dentro del cual estuvieran a punto de caer las murallas que dividen las artes por genero en cooperación de música, pintura y danza.
El color el punto y la línea serán vistos como elementos puros y eternos que transmiten la esencia del movimiento, la musicalidad y la armonia que parte de un principio de necesidad interna (2)
Color y forma son el aspecto externo de un contenido interior y la armonia de los colores o las formas deben descansar sobre el principio del contacto adecuado del alma humana (vibración espiritual)
Dicho principio se forma a través de tres necesidades místicas.
Cada artista debe expresar lo que es propio del, (elemento de la personalidad)
De la época en que vive, (elemento de estilo)
Como servidor del arte, lo que es propio del arte, del arte en general
(Elemento de lo artístico puro y eterno) concebido como objetivo.
“La búsqueda de un lenguaje visual que se establezca como gramática universal de la forma y el color”
Kandinsky propone en la Bauhaus establecer una gramática universal para la forma (pictórica) como lenguaje universal que permita la creación
Cuando comenzó la primera guerra mundial regreso a Rusia, pero con la revolución bolchevique regreso a Berlín.
Luego se fue a Weimar (Alemania) donde dio clase en la Bauhaus
Allí se desempeño como profesor del taller de pintura mural, durante 11 años y también desarrollo un curso sobre el diseño básico que dio conjuntamente con Paul Klee
1926 publica su segundo libro “punto y línea sobre el plano” donde su pensamiento sintético entre la teoría y la practica se consolida
1933 el gobierno nazi clausuro Bauhaus, se traslado a Paris, obtuvo la nacionalidad francesa.
La actividad de sus últimos años fue grande: cuadros, dibujos y acuarelas.
Fallece el 13 de diciembre de 1944 a los 78 años de edad.
Conclusión:
El arte puede liberar al hombre de su confusión devolviéndole lo que ha perdido: este fue el mensaje de Kandinsky, fundador de la pintura abstracta.
No se trata de representar el mundo de los objetos, sino nuestra vida interior.
La pintura abstracta abre paradójicamente el camino hacia una cultura verdaderamente popular y confluye con el arte sagrado
“Lo que a fin de cuentas, los mas elevados espíritus han pedido al arte es un conocimiento, un conocimiento verdadero, “metafísico”, susceptible de ir mas allá de la apariencia exterior de los fenómenos para entregarnos su esencia intima. ¿Como la pintura realiza y puede realizar esta revelación ultima? No dándonos a ver, no representándonos esa esencia ultima de las cosas, sino mas bien identificándonos con ella en el acto iniciativo del arte”. (Michel Henry)
Deepak Chopra (entrevista en Buenos Aires Argentina 2008) .El arte en todas sus expresiones, teatro cine, televisión (Como medios de difusión masiva) puede cambiar a la humanidad, crear una conciencia colectiva mostrando nuestra realidad objetiva. No la historia que queremos ver. Lo que nos quita la creatividad es nuestra carga cultural, pero el hombre es naturalmente bueno, solidario solo tenemos que unirnos hacia una conciencia colectiva universal en bien de la humanidad. La teoría de los colores tomada por Newton, Goethe Kandinsky, nos enviaría, según los colores estímulos subliminales que actuarían en nuestra conciencia. Podemos mejorar el mundo y aprovechar la ciencia para corregir los desastres ecológicos.
"En este sentido, creo que se puede decir que el arte imita a la naturaleza; por el carácter de vida que confiere a la obra de arte un trabajo creativo (...). Se necesita un gran amor, capaz de inspirar y sostener un esfuerzo continuo hacia la verdad, la generosidad y al mismo tiempo la renuncia profunda implícitas en toda obra de arte. Pero ¿acaso el amor no se halla en el origen de toda creación". Henri Matisse.
Nuestra psiquis dota al color de significado. El color es un símbolo de lo que sucede en nuestra alma. Los símbolos de lo que sucede en nuestra alma son formas verdaderas, por lo que los colores son formas verdaderas, ideas en un sentido platónico. Los colores intensifican, compensan y se contraponen a otras ideas, creando una amalgama de polaridades. Para contemplar los fenómenos de la naturaleza desde un punto de vista morfológico y descubrir a los colores como ideas capaces de transformar nuestro ánimo, no necesitamos máquinas muy complicadas, sino ser capaces de “ver ideas” como dirían los metafísicos.
Según Goethe, los colores se agrupan en dos tipos distintos: los colores positivos o activos que “causan una actitud animada, emprendedora, activa”. Estos colores son el amarillo, el naranja y el rojo amarillento.
Los colores negativos o pasivos “se adaptan a un humor intranquilo, maleable, apasionado, tierno y lleno de emoción. Estos colores son el azul, el azul rojizo, el rojo azulado.
En consecuencia, según Goethe el rojo posee una gran dignidad y seriedad en vista de que reúne en sí a todos los demás colores (según Newton el blanco es la suma de los colores).
Un paisaje claro, mirado a través de un cristal rojo, nos conmueve porque “la atmósfera se transforma y nos infunde un temor reverente que nos hace pensar en el día del Juicio Final”. El amarillo es “alegre y tiernamente activo”, al reforzarse con el rojo, se vuelve “más potente y magnífico”, y se adapta más que cualquier otro color a “dar el sentido del calor y la delicia”. El azul es “una encantadora nada”, pero si se mezcla con el rojo, dando azul rojizo, nos pone nerviosos, llena nuestro corazón de inquietud y nos empuja a la inactividad
Lo verdadero es idéntico a lo divino. Goethe
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